L’album de Jill Scott n’est pas seulement sa première œuvre; il s’agit également du premier projet de la nouvelle compagnie de disques Hidden Beach Records. Cette compilation de dix-huit chansons est en fait le fruit d’un assez étrange phénomène : l’année dernière, la maison de production de la jeune chanteuse avait décidé de diffuser quelques enregistrements de Scott à ses clients qui demeuraient en attente au téléphone. Paradoxalement, les appelants ont commencé à demander à être remis en attente lorsque l’on décrochait, affirmant vouloir écouter la chanson jusqu’à la fin (certains appelaient même uniquement pour le plaisir de goûter à ce message musical…). Plus de doutes, la compagnie a vu clairement que Jill Scott serait l’heureuse élue pour décrocher un contrat avec eux. Il faut dire que j’ai eu un peu de mal à croire cette histoire assez extraordinaire, mais j’ai vite changé d’avis en écoutant Words And Sounds Vol. 1. Comme le titre l’indique, vous devez sûrement vous demander : « Qui est Jill Jones ? ». Son style « jazzé » est simple, sa voix enivrante et le résultat global procure un charme irrésistible. Jill Scott étant aussi poète, les paroles sont loin de manquer de profondeur. Bref, un excellent début pour une artiste et une compagnie de disques aux avenirs très prometteurs.
Dès que j’ai appris que cet album avait été produit par Shawn Mullins, j’ai su qu’il s’agissait d’un matériel solide. En effet, je ne me suis pas trompée : Useful Music m’a vraiment remonté le moral même après une journée plus que maussade. L’élément le plus remarquable est sans doute la voix de Josh Joplin. En l’écoutant pour la première fois, j’ai cru tout simplement entendre Michael Stipe des légendaires REM. Avec le son mélancolique du piano en arrière-plan et un chant solitaire dans « Phil Ochs » ou la guitare acoustique accompagnée de voix dans « Human », même un amateur assidu de REM pourrait commettre la même erreur que moi. À part cette ressemblance curieuse, les chansons ne vont pas toutes dans cette direction. Par exemple, « Superstar », « Matter » ou « I’ve Changed » nous font penser aux Barenaked Ladies et l’auditeur attentif pourra entendre des sons orientaux dans « Who’s Afraid Of Thoms Wolfe? ». Bien entendu, l’influence du producteur susmentionné se fait également sentir. La variété ne manque pas, mais le tout est bien ancré dans un style personnel déjà très mature pour un groupe si jeune.
California native Beck Hansen grew up and experimented with a variety of styles, ranging from hip-hop, blues, country, folk and heavy-rock. With his first hit song titled I’m A Loser Baby – So Why Don’t You Kill Me I would have expected Beck to be a one hit wonder. To my surprise, Beck’s Midnite Vultures has been nominated for a Grammy Award for best album of the year along with Einem’s The Marshall Mathers Lp, Paul Simon’s You’re The One, Steely Dan’s Two Against Nature and Radiohead’s Kid A (all of the previously mentioned albums have been reviewed by Orcasound.) This distinguished CD may take several listens to fully warm up to. That’s a little more work than I’m used, when listening to music. The musical styles on Midnite Vultures jump back and forth throughout this interesting CD. For example, Sexx Laws starts with a horn section and later goes into pedal steel guitar and then banjo. It’s nice to hear something a bit different from this inventive artist. Several critics have compared this multi themed release to Prince’s early works; using Peaches and Cream and Erotic City as references. This Album is definitely worth a listen to, check out Beck’s versatility of styles.
À vrai dire, c’est la première fois que j’écoute un album où l’interprète principal est un joueur d’harmonica. Cette compilation m’a donc considérablement surprise, mais aussi enchantée. Il faut dire que Toots Thielmans est considéré comme le maître de cet instrument (qui devient d’ailleurs de plus en plus rare) et il mérite bien ces louanges. L’ensemble de la présente œuvre renferme essentiellement du jazz, mais l’harmonica lui donne une atmosphère nouvelle et assez difficile à décrire. Le morceau introducteur de l’album est un extrait de la bande sonore d’une série télévisée. L’instrument de Thielmans donne à cette composition une saveur de mystère, laissant presque l’impression d’être tirée tout droit des « X Files »… À l’opposé, le reste du disque représente un contraste total par rapport à cette ouverture. Il s’agit de quatorze pièces douces et romantiques, renfermant toutefois une certaine nostalgie du bon vieux temps. L’harmonica étant un instrument très beau et paisible, espérons que Toots Thielmans ne soit pas le dernier à nous le faire découvrir.
En 2001, quoi de plus original que… devenir un « hippie »! En effet, nous pouvons constater le retour des années soixante aussi bien dans le secteur de la mode que dans l’industrie musicale. Donc, si vous vous êtes déjà laissé pousser les cheveux jusqu’aux épaules et avez porté des colliers fleuris, il ne vous reste qu’un dernier pas à faire : vous procurer le plus récent album de Roger Waters, chanteur et bassiste du célèbre groupe Pink Floyd. Que dis-je? Pink Floyd n’a pas été un simple « groupe », ce fut un véritable phénomène, leur chanson « The Wall » étant l’hymne de toute une génération. Sur in the flesh, nous retrouvons donc avec le plus grand enthousiasme tous leurs classiques (comme « Money », « Shine On You Crazy Diamond » et l’émouvante ballade « Wish You Were Here »). Cet album double capte les meilleurs moments d’un concert effectué en hommage au célèbre chanteur, presque trente ans après l’enregistrement initial des chansons. Pour ceux qui sont familiers avec les « Floyd », il s’agit d’une chance unique de se remémorer leur tendre jeunesse. Pour les non-initiés, in the flesh représente une culture entière, un son que tout le monde reconnaît comme le plus « spatial » jamais créé. En effet, les chansons semblent toujours aussi avant-gardistes et la voix de Roger Waters n’a rien perdu de sa magie. Tout simplement superbe!
Helen Folasade Adu otherwise known as Sade was born in Nigeria in 1959 to mixed Nigerian / British parentage. She grew up in Essex, Britain where she found comfort in writing songs about life, as perceived through her adolescent eyes. Her professional career began in 1981, fronting the funk band Pride. She left Pride in the mid-eighties to form her own band, taking three ex-Pride members with her (Stewart Matthewman (saxophone), Andrew Hale (keyboards) and Paul Denman on bass). The four musicians are still recording and performing together today. It’s been eight years since Sade released her last CD; when asked why it took so long; Sade commented that she had nothing to put forth musically. Lovers Rock may very well be Sade’s smoothest roots tinged offering to date. The new album sounds less pop and dance oriented and more down to earth. Two hit singles have already emerged, they include King Of Sorrow and the first track on the CD, By Your Side which has already been re-mixed and is a huge hit in clubs throughout the world. This album flows seamlessly from one track to the next. Sade’s lyrical terminology still focuses on love songs, yet she also touches on social concerns in King Of Sorrow, Slave Song and Immigrant. Sade’s joyous and tranquil voice is as soothing as ever, if you enjoyed her music before, you will love this new CD.
Ça fait déjà dix ans que les frères Hailey, K-Ci et JoJo, n’ont pas sorti de nouveau matériel! Incroyable! Pendant cette longue période, ils ont su s’accrocher sur la scène R&B et concocter en secret leur prochaine invasion miraculeuse. Coup de veine ou talent, les deux frères font fureur une fois de plus, cette fois-ci avec un album beaucoup plus mature et travaillé. Le premier extrait « Crazy » s’est déjà hissé au sommet des palmarès des stations branchées, mais nous retrouvons sur X aussi quelques ballades plus classiques (comme « Things I Should Have Known » et « I Can’t Find The Words »). Avec « Game Face », K-Ci et JoJo s’aventurent pour la première fois réellement dans le « hip-hop ». D’ailleurs, on peut entendre la voix d’un des plus grands rappeurs, Tupac Shakur, sur « Thug N U Thug N Me » (titre assez curieux qui reflète vraiment l’esprit rebelle de l’interprète). D’un certain point de vue, quel dommage que de voir nos deux idoles se borner à suivre leur vieille tradition R&B et n’expérimenter que trop prudemment! Leur longue carrière prouve un vrai talent qu’ils manquent peut-être de développer. Attention, ne pensez pas cependant qu’il s’agit d’une suite fade de ballades pour s’endormir! Le fond est solide et leur succès actuel le prouve bien!
À la suite de son succès retentissant avec les chansons « Smile » et « Graduation (Friends Forever) », Vitamin C solidifie sa renommée avec un nouvel album. Comme son nom l’indique, More est une suite de son premier disque et renferme les mêmes thèmes (du style amour vs sexe, innocence vs expérience, le « Girl Power » vs les machos etc.). Ainsi, une nouvelle Britney Spears en vue? D’accord, il faut avouer que mademoiselle C reçoit certainement quelques coups de main en matière de composition de ses producteurs. Cependant, elle réussit à traverser la barrière du produit industriel tout craché et sa voix ajoute aux chansons une personnalité sincère et vivante. Vitamin C (son vrai nom étant Colleen Fitzpatrick) est en fait l’ex-chanteuse du groupe de rock alternatif Eve’s Plum (malheureusement peu remarquable). Sur la chanson « The Itch », nous sentons justement cette influence de son passé plus rebelle. Sur toute la ligne, elle refuse de feindre un son R&B commercial et dégage une chaleur qu’on ne saurait trouver chez ses nombreuses rivales. Si vous avez besoin d’une dose de pop énergique et dernier cri, Vitamin C pourrait être la parfaite prescription pour vous!Deluxe Edition
Johnny Winter / Alligator
By Sheldon
Although the blues have always been a major influence in Johnny Winter’s music, he only became recognized as an integral figure in rock and roll in the late 1970’s . Rock fans devoured his wild guitar leads, they loved the skinny, tattoo bearing, long-haired showman. Winter signed with Alligator Records in 1984 and once again focused on playing the blues. In the early 80’s, B.B. King commented that “Johnny Winters is the best white blues guitarist in the world.” Two of Winter’s albums released by Alligator Records were nominated for Grammys and a few of the songs even found their way to the air waves. The ” Deluxe Edition” is a greatest hits compilation from Johnny’s last 3 CD releases with Alligator Records. This CD includes 14 tracks, among them: Don’t Take Advantage Of Me, Mojo Boogie and two previously unreleased performances(Georgianna and Nothing But The Devil). Don’t make the same mistake I did; I played this CD in my car without tightening up my seat belt first. I instantly found myself gone astray, yes lost on a wonderful musical expedition to guitar heaven and quite honestly I began to forget about the road. So drivers beware, pay attention to the traffic around you while sampling this wonderful blues collection.
Le nouvel album de Lionel Richie constitue déjà sa neuvième initiative solo. Cette fois-ci, il a eu recours à plusieurs grands producteurs contemporains comme Brian Rawling ou Rodney Jerkins. Parmi ses collaborateurs, Richie peut être fier d’avoir le lauréat du « Grammy Award » du meilleur producteur de l’année : Walter Afanasieff. Le résultat de cette prestigieuse réunion est un mélange exquis de classique et de moderne. Le premier morceau « Angel » crée dès le début une atmosphère passionnée d’intimité, sentiment qui est récurrent chez le chanteur. Voulant rester dans la vague de la modernité, il incorpore dans ses mélodies quelques incontournables rythmes salsa et flamenco. Ainsi, rien d’étonnant si ce n’est que l’album s’est déjà vendu à plus de 500 000 exemplaires en Europe (où il a été mis sur le marché l’automne dernier). Bien que les amateurs nord-américains de Richie aient dû patienter plus longtemps, ils peuvent se délecter de la chanson exclusive « I Forgot » qu’on retrouve uniquement sur les éditions canadienne et française. Comme le dit l’interprète lui-même, « j’ai essayé de trouver le juste équilibre entre le connu et le nouveau ». Vu le succès immédiat de sa plus récente œuvre, on peut dire qu’il a réussi.By Sheldon
In 1970 the Washington post hailed Roy Buchanan the greatest guitar picker in the World. In 1971 Buchanan made his firstpublic appearance on a television special called “The Greatest Unknown Guitarist In The World” (hosted by Bill Graham).In 1976 Time magazine penned him "A Messiah on Guitar". Roy’s blend of Blues, Rock and Roll, Country, Gospel,Jazz and R&B manifested into a new guitar stylethat influenced countless musicians that proceeded him. Merle Haggard once said: "He gets me right in the heart. He's got soul.” Sadly, Roy Buchanan passed away in 1986, so the songs on this “deluxe edition” are not originals.However, there are 2 previously unreleased songs on this compilation (“Blues for Jimmy Nolan” and “The Last Word”).Each ofthe songs on this eclectic disc is given a distinctive twist that incorporates Buchanan’s manydiverse styles.In between this disc’s opening track (Roy’s rendition of Peter Gunn) to the last selection (The Last Word) your mouth will be watering in anticipation of Buchanan’s next guitar laden wizardry.Blues Dream
Bill Frisell / Nonesuch
By Sheldon
I had never heard of Bill Frisell before last year’s Montreal Jazz Festival. However, after hearing him perform live I quickly became an avid listener and bought a few of his CDs.Once again , listeners will surely be amazed at how flawlessly Frisell and his back-up musicians gel together. Frisell’smusic takes you on a wonderfuljourney to that special place within ourselves.This is Bill’s first recording within a septet configuration. His standard quartetfeatures Greg Leisz (pedal steel, lap steel, National steel guitar, Scheerhorn resonator guitar and mandolin), David Pitch (bass), and Kenny Wolleson (drums) are still with him but are now accompanied with a horn section comprised of saxophonist Billy Drewes, trumpeter Ron Miles and trombonist Curtis Fowlkes.With the additional players on this CD, the 18 original tracks create an amalgamation of new age like choral sounds.If you enjoy peaceful soul searching guitar leads with a blend of horns, this CD is for you.
The Marshall Mathers Lp
Eminem / Interscope
By Biff
Eminem, the music world’s new so called “bad ass” has returned with his second album "The Marshall Mathers LP". If you liked the first album "The Real Slim Shady" you'll love this one. Not one for avoiding controversy, Eminem has come back, even deeper and darker. Fun tunes like “Kill You”, and “The Real Slim Shady”, are mixed with some darker tunes such as "Kim" which recounts the fictional account of the murder of his wife and how he dumped her in the trunk of a car, and "Stan" a very chilling tale of an obsessed fan. All in all this white kid from Detroit has taken the gangster rap world by storm, causing quite the stir in the rap community which is usually dominated by black performers. Taken under the wing of the great Dr. Dre, Eminem has learned well from his mentor.Dr. Dre was once the king of gangster rap, fronting the group N.W.A. Hats off to Eminem, for just being himself, telling it like it is, and not caring who thinks what, most artist would have bowed to thestrain long ago, but the controversy and pressureonly seem to make Eminem stronger. I personally can't wait for the next album.
Sonny Rollins, né en 1930 dans une zone cosmopolite de Harlem surnommée Sugar Hill, est de nos jours considéré comme le plus grand saxophoniste ténor. Cependant, ces louanges ne vont pas assez loin. Rollins est l’improvisateur le plus brillant que le jazz moderne ait jamais connu et sa finesse instrumentale lui donne la qualité d’un véritable virtuose. À l’opposé de Louis Armstrong ou de Miles Davis, Rollins n’a pas altéré la syntaxe rythmique du jazz. Peu enclin à l’expérimentation, il est un des rares noms que l’histoire de la musique ait retenus sans avoir apporté d’innovations ou de nouveautés. Pourtant, il ne faut pas penser que ses solos fulgurants sont les fruits d’un pur automatisme. Étant un éternel perfectionniste, Sonny Rollins n’hésitait devant aucun défi. Les morceaux comme « I Know That You Know » ou « All the Things You Are » (où il confronte Dizzy Gillespie et Coleman Hawkins) témoignent à merveille de ses instincts de gladiateur.
The Snatch soundtrack CD has become one of my favorite soundtracks I have listened to in a long while.Recently I saw the movie and was captivated by the film’s wonderful array of music and how wellit corresponded with the film’saction sequences. Comparable to “Trainspotting” and “Pulp Fiction,” Snatch’s soundtrack has something for everyone. You will succumb to the diverse arrangements found on this enjoyable album. Don’t be surprised if you find yourself dancing about, or even bouncing up and down in your car seat;wherever you may be, this CD is bound to make you move.
Pour ne dire que peu, Lester Young se démarquait (en dehors de sa musique) principalement de par son excentricité. L’exemple le plus évident était son saxophone ténor, qu’il tenait presque horizontalement. Même étant hétérosexuel, il empruntait souvent des gestes homosexuels, appelant les hommes comme les femmes « madame ». Enfin, il ne jouait pas une ballade avant d’en avoir appris les paroles. À la suite de sa participation dans la Seconde Guerre mondiale, il n’a jamais plus été le même. Il a passé ses derniers jours dans une chambre close, à regarder par la fenêtre et à écouter des disques de Frank Sinatra. Ainsi s’est terminée l’histoire d’un des pères du jazz comme nous le connaissons aujourd’hui. Grâce à son vibrato quasiment imperceptible et à sa sonorité légère et douce, il a inspiré de nombreux musiciens dont Paul Desmond, Sonny Rollins et Wayne Shorter. Cependant, son influence va au-delà du saxophone. Par leur flexibilité rythmique, les premiers albums solo de Young ont anticipé le courant « Bebop » d’une bonne dizaine d’années.
Née Eleanora Harris, Billie Holiday a été l’une des chanteuses de jazz les plus extraordinaires. À une époque où la plupart des protagonistes se limitaient à leurs partitions, son habileté de s’approprier une chanson en lui imposant sa personnalité a toujours été sa marque particulière. Son style effronté en a influencé plus d’un et a même laissé des traces dans la musique populaire d’aujourd’hui. Même si la plupart des chansons de Holiday ont été écrites par d’autres, elle a toujours su y mettre un caractère intime et quasi autobiographique. Ayant eu une enfance mouvementée, il est facile d’expliquer sa vitalité et sa passion de vivre qui transparaissent dans sa voix imposante. Sa forte personnalité donne à ses chansons un caractère unique, une énergie qui se mêle cependant à beaucoup de mélancolie. Sa carrière étant difficile, le morceau « Strange Fruit » a même été rejeté par sa compagnie de disques, la radio et les clients du « Café Society » (où elle chantait souvent). Ces derniers se plaignaient d’entendre cette composition parmi d’autres plus amusantes de son répertoire. En s’abandonnant à la drogue, Billie Holiday a subi un déclin constant jusqu’à sa mort en 1959. Cependant, elle a su puiser de l’art, même de ses pires moments.
Issue de l’ère des « Big Band », Ella Fitzgerald nous offre une voix ensoleillée et innocente. Si on la comparait à Billie Holiday, la différence serait celle d’une gazelle insouciante et gracieuse face à une lionne enragée, mais possédant un charme sauvage. Peu savent qu’Ella Fitzgerald s’est d’abord destinée à une carrière de danse. En effet, vers l’âge de dix ans, elle a commencé à prendre des cours privés. Son rêve était de devenir célèbre et cette poursuite du succès s’est presque transformée en obsession. Ainsi, peu après avoir quitté le foyer familial à l’âge de dix-sept ans pour vivre dans la rue, elle a tenté sa chance dans un concours artistique au Apollo Theater à New York. S’étant inscrite d’abord dans la catégorie danse, Fitzgerald a préféré tenter le coup en chantant à cause de sa nervosité. Finalement, cet essai inespéré lui a valu le premier prix et un an plus tard, un million de copies de son succès « A-Tisket, A-Tasket » a été vendu. Jusqu’à sa mort en 1996, l’incroyable chanteuse « Bebop » a produit des dizaines d’albums. En fait, s’il faut se rappeler le nom d’une seule interprète de jazz, ce sera sans aucun doute celui d’Ella Fitzgerald.
William Basie a été une des figures-clés dans le développement du « Big Band Jazz ». Son œuvre en tant que pianiste pourrait peut-être même passer au second plan (Basie était suffisamment modeste pour se qualifier de « non-pianiste »). Ses groupes ont toutefois joué un rôle crucial dans la formation de plusieurs musiciens débutants. Si Basie s’était plus affirmé, leur talent aurait passé inaperçu. Sous ce double rôle de tuteur et de compositeur pour tout un petit orchestre se cache pourtant le « Comte » du piano. Le secret des divers groupes de Basie a été le privilège de solos. En effet, la plupart de leurs chansons n’est formée que d’une trame élémentaire et des solos l’enrichissent pour lui donner un caractère unique. Chaque musicien a son petit moment de gloire et les instruments se succèdent sans qu’on s’en aperçoive tout de suite. En fait, le tout a l’air d’une seule longue mélodie sinueuse d’où surgissent de temps à autre différents sons enchanteurs. Remarquons en plus l’excellente maîtrise du rythme, une anticipation du swing qui se développera justement grâce à Count Basie.
Le nom de Dizzy Gallespie possède des significations différentes selon différentes personnes. Pour certains, il s’agit d’un virtuose de la trompette ou d’un chef d’orchestre, d’autres l’apprécieront pour son humour irrésistible lors de ses nombreux spectacles. Quel que soit le point de vue, Gallespie reste un innovateur incontestable du jazz. Combinant les instruments du jazz classique aux rythmes vifs de la musique latino-américaine, il a été un des pionniers du style « Bebop » (musique joyeuse, rapide et remplie d’improvisations). Sur la présente compilation, nous retrouvons justement une adaptation Bebop du célèbre « A Night In Tunisia », connu d’abord grâce à Ella Fitzgerald. Il faut l’écouter attentivement, car la transformation est quasi complète : on passe d’une ballade plutôt lente à dominance vocale à une charade instrumentale endiablée. Même dans ses années plus tardives, la personnalité aventureuse du trompettiste ne l’a jamais abandonné. En fondant le « United Nation Orchestra », Gallespie est devenu le père spirituel des musiciens à travers le monde.
Qualifiée souvent de chanteuse d’opéra par les auditeurs inexpérimentés, Sarah Vaughan possédait une technique tout à fait particulière. Son habileté vocale lui permettait d’attaquer n’importe quelle note, de passer de l’aigu au plus grave. Cette incroyable gamme multioctave l’a démarquée et lui a valu sa gloire. La seconde raison de son succès international a été son approche enjouée de la chanson et sa capacité de transformer un classique en composition saugrenue. Maîtrisant le piano et l’orgue dès le plus jeune âge, la « Divine » (comme s’amusaient à l’appeler ses admirateurs) s’est vite hissée au premier rang de la scène musicale new-yorkaise. D’ailleurs, on peut entendre un extrait de son jeu au piano dans « The Nearness Of You », écrit en 1973. Dans la seconde moitié de sa carrière, le mari et gérant de Vaughan a tenu à refaire complètement son image, la rendant plus raffinée et soignée que jamais. Elle a ainsi été introduite sur le marché de la musique populaire. Au long de ses cinquante années de gloire, Sarah Vaughan a su embrasser aussi bien le jazz que le pop, le sérieux et la désinvolture.
Are you in touch with your inner female?Don't know what to do now that Lillith Fair has been cancelled? Women & Songs Volume 4 will satisfy your need for celebrating womanhood and will also nurture your soul. Do not be misled, not only women will enjoy this CD. Anybody who enjoys hearing the music of today's finest female artists will appreciate it. Starting things off is a Madonna's cover of American Pie, adding her own musical style to this classic song. If folk or R&B are more your musical tastes, you can listen to Tracy Chapman's Telling Stories or All Saints' Pure Shores. Other superstar female artists on this CD are Faith Hill, Whitney Houston, Janet Jackson and Tina Turner. Combining the sounds of old and new, this collection also features Sarah Brightman and Chantal Kreviazuk, to name but a few. Featuring an impressive line up of today's finest women in music,the 19 songs featured on this CD are sure to please anybody who appreciates the contribution that woman have made to today's music.
S’étant échappé du vacarme, des tumultes et des dangers des mines de charbon de Pittsburgh, Art Blakey s’est réfugié dans la musique. Optant très jeune pour une vie d’artiste, il a d’abord partagé sa vocation avec le travail dur. S’abandonnant enfin totalement à sa passion, il a pourtant gardé en lui un fort caractère, souvenir de sa jeunesse plus que rude. Marié et père à quinze ans, Blakey disait souvent qu’il n’avait pas eu d’enfance. Pour lui, la batterie constituait une échappatoire de la réalité quotidienne. Très bientôt, il a entamé le rôle d’enseignant en musique, ce qui l’a aidé à perfectionner son talent. Et le résultat de tous ces efforts? Art Blakey est désormais considéré comme un protagoniste crucial dans le jazz d’après guerre. Son style constamment en évolution et en croissance a redéfini les unités rythmiques du « Hard Bop » classique. Il faut dire que ses premières années d’adolescence l’ont marqué à jamais, laissant évidemment leur trace dans ses compositions. Blakey est devenu le symbole de l’innovation et plus particulièrement d’une intensité quasi impossible à surpasser.
Au début de sa carrière, le ton de John Coltrane n’était pas fort, ses techniques incertaines et il empruntait beaucoup à ses influences R&B (nom communément employé pour désigner le « rhythm and blues »). Il a fallu longtemps pour qu’émerge de lui un homme mature, voire un musicien mature. Certes, Coltrane s’est joint en 1955 au groupe de Miles Davis et ceci a constitué son véritable décollage. Il a été pris sous la tutelle stricte de Thelonious Monk, un autre personnage important du jazz d’après guerre. En se développant musicalement, il a subi une renaissance spirituelle. La dernière décennie de sa vie a vu Coltrane fleurir, après avoir surpassé bon nombre de ses initiateurs. Il a appris les techniques et les idées de ses maîtres avec une agilité incroyable. Malgré son « réveil » tardif, il a su s’élever à un niveau bien supérieur à celui de tout autre saxophoniste de son entourage. Avec cette évolution, son quartet classique a aussi subi d’énormes transformations pour enfin donner un résultat méconnaissable de celui du départ. En plus de sa maîtrise artistique, John Coltrane a enrichi le répertoire du jazz moderne d’intelligence et de spiritualité.
On répète souvent dans l’histoire du jazz que « Coleman Hawkins a été le père du saxophone ténor ». Même si ces dires sont exacts d’un côté, nous avons de l’autre une question de précision. Certes, l’inventeur belge Adolphe Sax est indiscutablement le vrai père de cet instrument puisque c’est lui qui l’a créé. De plus, Hawkins n’a pas été le premier musicien à utiliser le ténor. Toutefois, il n’en reste pas moins que ce saxophoniste a développé au début des années 1920 un modèle frappant pour son instrument au niveau du jazz et est bientôt devenu le point de référence pour de nombreux musiciens. Même si sa carrière a dépassé largement cinquante ans, certaines caractéristiques dans son jeu restaient constantes : son style d’improvisation agressive ancré dans une connaissance ferme de la théorie musicale et inspiré par un appétit pour de nouveaux défis. La première section de la présente compilation « The Stempede» présente Hawkins en 1926, après que Louis Armstrong ait quitté son groupe (il y a eu de nombreux conflits de jalousie entre les deux membres), plus fort et sûr de lui que jamais. Par la chanson « Picasso », Coleman Hawkins nous illustre ses nombreux talents, mais souligne inconsciemment aussi sa qualité d’avant-gardiste.
